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Un Quijote más fácil de leer: La versión de Andrés Trapiello

No he podido convencer a nadie de que lea el Quijote y no es por falta de intentos. Por más que trato emocionar, interesar, argumentar y promocionar el libro, no lo logro. Sigue siendo el libro que se ve a todo dar en la biblioteca. No puede faltar en ningún librero, pero la mayor parte de las copias vendidas siguen intactas. Siguen de decoración kitsch-intelectualoide. ¿Por qué?

Quizá es demasiado largo para las personas actuales. Los adultos fueron criados por la televisión y los jóvenes con Twitter. Les es muy difícil guardar la concentración en la lectura. Ni siquiera se salvan los estudiantes universitarios, que deberían tener un nivel más alto. La comprensión lectora está por los suelos.

Sin embargo, no podemos ignorar que la primera parte de este libro fue escrita en 1605. El castellano de Cervantes ya ha mutado desde entonces. Yo sostengo que el Quijote se trata de un libro muy legible aún en su forma original. Comparemos, por ejemplo, a Shakespeare que fue contemporáneo. Creo que es mucho más difícil de leer en su inglés original.

Por ello, el cervantista Andrés Trapiello ha actualizado el Quijote, modernizando el castellano de la novela a algo más cercano a nosotros. Intentó, en medida de lo posible, no alterar casi nada el texto original. Sólo cambiar el orden de las palabras y utilizar sinónimos y formas alternas de decir las cosas. Algo que pueda ser comprendido por los lectores contemporáneos.

Leer esta versión es algo bastante extraño. No me había dado cuenta de que leer el original era algo tan complicado. Esta fluye, avanza, no se detiene. Hasta siente uno que está haciendo trampa. Creo que algo de la música del lenguaje se pierde, pero se gana muchísima claridad. Las imágenes poéticas brillan, los escenarios cobran vida, y el efecto es deslumbrante.

Les pongo un ejemplo, primero en la versión de Cervantes y luego en la de Trapiello. Verán que los cambios son sutiles, pero sumando cientos o miles de ellos, se produce una lectura mucho más sencilla y clara.

Versión original:

—A la mano de Dios —dijo Sancho—. Yo lo creo todo así como vuestra merced lo dice; pero enderécese un poco, que parece que va de medio lado, y debe de ser del molimiento de la caída.
—Así es la verdad —respondió don Quijote—, y si no me quejo del dolor, es porque no es dado a los caballeros andantes quejarse de herida alguna, aunque se le salgan las tripas por ella.
—Si eso es así, no tengo yo que replicar —respondió Sancho—; pero sabe Dios si yo me holgara que vuestra merced se quejara cuando alguna cosa le doliera. De mí sé decir que me he de quejar del más pequeño dolor que tenga, si ya no se entiende también con los escuderos de los caballeros andantes eso del no quejarse.
No se dejó de reír don Quijote de la simplicidad de su escudero; y, así, le declaró que podía muy bien quejarse como y cuando quisiese, sin gana o con ella, que hasta entonces no había leído cosa en contrario en la orden de caballería. Díjole Sancho que mirase que era hora de comer. Respondiole su amo que por entonces no le hacía menester, que comiese él cuando se le antojase.

Versión modernizada:

–Que sea lo que Dios quiera. Yo lo creo todo tal como vuestra merced lo dice; pero enderécese un poco, que parece que va de medio lado, y debe de ser del molimiento de la caída.
–Así es, y si no me quejo del dolor, es porque no está permitido a los caballeros andantes quejarse de ninguna herida, aunque se les salgan las tripas por ella.
–Si eso es así, yo no tengo que replicar –respondió Sancho–; pero Dios sabe cuánto me gustaría que vuestra merced se quejara cuando le doliera alguna cosa. De mí sé decir que he de quejarme del más pequeño dolor que tenga, si eso de no quejarse no se aplica también a los escuderos de los caballeros andantes.
No dejó de reírse don Quijote de la simplicidad de su escudero; y así, le manifestó que podía muy bien quejarse como y cuando quisiese, sin ganas o con ellas, que hasta el momento no había leído cosa en contrario en la orden de caballería. Le dijo Sancho que advirtiese que era hora de comer. Le respondió su amo que de momento no le hacía falta, que comiese él cuando se le antojase.

Aunque esta versión ha sido controversial entre cervantistas, estoy totalmente de acuerdo con este trabajo. El autor sabía que sería cuestionada, por eso la hizo sin dar parte de su intención a ninguna persona y sin que nadie le viese. El trabajo, según leí, le tomó siete años. Espero que se use en escuelas, o que sirva para introducir a más lectores a esta obra enorme, y se deje de torturar a los muchachos de secundaria que con trabajos pueden descifrar un mensaje del WhatsApp.

Les dejo cinco razones para leer el Quijote:

  1. Es un libro muy gracioso. Cervantes tuvo muchos objetivos al escribir el Quijote, y uno de ellos era hacer reír, y lo logra.
  2. Es un libro muy sabio. A kilómetros se nota que Cervantes era brillante, y muchos de sus personajes lo reflejan. Sus reflexiones son profundas y su observación reveladora. Aún después de más de casi medio milenio, nos sigue enseñando cosas.
  3. Es la primera novela. El género novelístico inició con el Quijote. Difícilmente la narrativa ha alcanzado el mismo nivel desde la publicación de estos dos tomos.
  4. Entenderás obras basadas en él. Hay múltiples obras de arte que se apoyan en el Quijote. Pinturas, musicales, cuentos, óperas, esculturas, otras novelas… Te abre otras puertas en las artes.
  5. Captarás las referencias en la cultura popular. Entenderás por qué se dice que algo es “quijotesco”. Sabrás que que Quijote nunca dijo: “Deja que los perros ladren, Sancho, es señal que vamos avanzando”. Sabrás que el Quijote no es un libro, si no dos. En fin, un mar de referencias.

Lean el Quijote, háganse ese favor. Si les gusta escribir, no tienen pretexto, deben leerlo ya.

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¿Dónde jugarán los dinosaurios?

Full disclosure: Soy fan de los dinosaurios. Como a muchos de nosotros, me intrigan y daría lo que fuera por ver un dinosaurio vivo. En parte por eso aborrecí tanto a Jurassic World. Es una película de monstruos, no de dinosaurios.

Pero ese no fue el verdadero motivo de mi irritación. Creo que el insulto es que el director de Jurassic World, Colin Trevorrow, se subió a los hombros de gigantes para hacer su remake. Jurassic Park, la original, fue existosa por una combinación de buenas ideas con buena ejecución. Y nunca fue perfecta: Las actuaciones no son demasiado buenas, abundan los clichés y faltan dosis de asombro y maravilla que si hay en otras cintas de Spielberg.

Jurassic World sólo intenta reciclar superficialidades de la original: Dinosaurios comiendo gente, un parque que se sale de control y persecuciones por la jungla. Pero no sabe cómo emocionar. Sé que mucha gente estará en desacuerdo conmigo. Si la taquilla es un indicador, esta es una de las mejores películas de todos los tiempos. Ya rebasó el billón de dólares internacionalmente. Pero hay momentos en esta maravilla del cine moderno que son simplemente ridículos.

Por ejemplo, el magnífico tema de John Williams aparece en la original cuando los científicos por primera vez ven dinosaurios vivos. Se quedan asombrados y boquiabiertos. En la nueva, se usa para la maravillosa llegada de los niños al hotel. Absolutamente nada sucede mientras suena la excelente banda sonora.

Otras menciones honoríficas son el personaje de Claire corriento por la jungla en tacones altos durante toda la película. Los clichés machistas en los personajes, y unos pterodáctilos levantando personas de tres veces su peso. En fin.

Jurassic Park fue novedosa porque fue la primera vez que se nos mostaban dinosaurios no como lagartos enormes y lentos. Eran ágiles y veloces como aves. La ciencia estaba descubriendo ese parentezco. Eso fue una innovación muy bienvenida. Claro, exageraron el tamaño de los velociraptos y modificaron otros dinosaurios para efecto dramático.

Han pasado más de veinte años desde el estreno de esa película, y la ciencia ha avanzado mucho. Hoy sabemos que la mayor parte de los dinosaurios estuvieron cubiertos de plumas. Si, como aves. Este descubrimiento reciente no ha sido reflejado todavía en película alguna, y Jurassic World tuvo la oportunidad de presentar esto al público en general.

“Pero badbit”, dirán algunos de ustedes, “en la original no salían con plumas. ¿No se confundirá la gente si de pronto en la secuela aparecieran como pollos sobredesarrollados?”. Buena pregunta, respondería yo. Pero eso fácilmente se resuelve mediante unas cuantas líneas de diálogo. ¿Recuerdan la escena en Jurassic Park donde el paleontólogo Allan Grant le explica a un niño cómo se lo comería un velociraptor? Fue una buena escena porque fue graciosa, mostró que al paleontólogo no le gustaban los niños y además nos introdujo a la teoría científica.

Algo así se pudo hacer en esta nueva película. Imaginemos la primera vez que veamos un dinosaurio con plumas. Algún personaje despistado podría preguntar cómo es posible que eso suceda. El diálogo podría ser así:

PERSONA DESPISTADA
¿Cómo es que los dinosaurios tienen plumas?

CIENTÍFICO
Oh... Desde Jurassic Park hemos aprendido mucho. Descubrimos que una de las enzimas que les reteníamos evitaba el desarrollo de las plumas. Pero en realidad los dinosaurios siempre las tuvieron. Simplemente estamos desacostumbrados a ellas.

PERSONA DESPISTADA
Se ven ridículos. Parecen pavos gigantes.

CIENTÍFICO
Ese pavo gigante podría aplastar la mitad de tu cuerpo con una pata y comerte como un gusano.

There! I fixed it.

¿Qué tienen de malo los dinosaurios con plumas?

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Algo que sí me gustó de la película es que intentan hacer una crítica a Sea World. Desde que vi el documental Blackfish juré no poner un pie de nuevo en ese parque acuático. Lo que le hacen a las orcas en Sea World es casi lo mismo que le hacen al Indomitus Rex en Jurassic World. También metieron un poco de la psicología animal, haciendo un personaje tipo "encantador de velociraptors", pero la idea se quedó a medio hornear. Lamentablemente cualquier crítica que la película intentó hacer, se autodestruye en un mar de contradicciones.

En la primera película, los dinosaurios eran animales. En todas las secuelas se transformaron en máquinas de matar porque eso era lo que la gente quería ver. Es decir, sólo ven un humano, y se lanzan de inmediato a asesinarlo. ¿No pueden estar simplemente en paz? ¿No pueden tener la panza llena?

En conclusión: No me gustó, y me gustaría que una parvada de pterodáctilos robara todas las copias y las arrojara al mar.

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Video de Django Girls

Hala Ken Telar Juvenil editó un video que, desde mi punto de vista, resume muy bien la experiencia vivida en el evento de Django Girls. Ya pasaron algunas semanas desde que se efectuó y todo sigue muy fresco en la memoria de todos los asistentes. Pronto se hará una reunión de seguimiento para seguir aprendiendo. Dejo aquí el video, donde los coaches expresamos un poco nuestra opinión al respecto.

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Reseña: Tomorrowland (2015)

Analizar esta película es como intentar separar una capirotada en sus ingredientes básicos. Es un desastre de proporciones épicas y en tantos niveles que no sé ni por donde empezar. Pero su principal problema es este: No tiene historia. Creo que al guionista le dijeron “Escribe una historia basada en la tierra del futuro de Disneylandia”, le dieron media hora para terminarlo y lo filmaron tal cual.

Normalmente hago una sinopsis de las películas que reseño, pero en este caso me resulta muy difícil. De verdad, no les puedo decir de qué se trata exactamente. La película salta de un tema a otro sin lógica alguna. Inicia en los años sesenta, en Disney, luego brinca al futuro. Posteriormente está de nueva cuenta en el presente, luego brinca al año 2000 durante una breve secuencia y por último continúa su trama en el pasado cercano. Todo esto, y no han pasado ni quince minutos de la película. No es una película de Tarantino, simplemente está pésimamente escrita.

Los personajes son planos y poco interesantes. Hay una muchacha que es hija de un ingeniero de la NASA que está a punto de perder su trabajo. Está George Clooney que es una especie de inventor que nunca nos explican a qué se dedica. Hay una niña robótica que no sabemos de dónde salió ni qué quiere. La cinta dura dos horas pero se siente de cuatro. El villano principal no es amenazante, ni siquiera es malvado. No sabemos bien cuál es su plan o por qué hace lo que hace. No sabemos nunca qué quiere nadie.

Algo de lo más preocupante de la película es que nos dice que el futuro lo encontraremos en el pasado. La tierra del mañana está llena de artefactos “retro” y gente uniformada como en filmes de ciencia ficción cincuenteros. Además, el futuro fue formado por gente muerta como Julio Verne, Nikola Tesla y Thomas Alva Edison. No hay nada futurista en verdad, nada sorprende. El puro reciclaje de otras películas que son mejores.

La película sermonea sin cesar. Intenta darnos el mensaje de que debemos ser soñadores, pensar positivamente, y que el futuro todo saldrá bien. El calentamiento global está mal, pero si la gente le echa un poquito de ganas, las cosas mejorarán. Me costó mucho trabajo soportar mensaje más bobo e hipócrita. Sobre todo en una película de Disney donde uno de los personajes principales se toma dos Coca-Colas de golpe.
En el fondo aparecen muchos anuncios de productos. La escena más descarada es en una tienda de juguetes que está repleta de productos de Star Wars. Ahora ya sabemos qué hará Disney con esas películas. En esta tienda se desarrolla una secuencia de acción donde todos se atacan con muñecos y memorabilia de la saga.

Este instrumento de tortura está dirigido por Brad Bird, creador de The iron giant, The incredibles, Rattatouille y Mission impossible: Ghost protocol. ¿Qué le sucedió? No tengo la menor idea. Esta debe ser la peor película de su trayectoria y una de las peores de Disney.

¿Qué es Tomorrowland? ¿Dónde están las mamás de todos los personajes? ¿No había también un Tomorrowland en el Disneylandia de la película? ¿Por qué el mundo del futuro aparece tan poco? ¿Para qué servían los pines que entregaron durante la película? ¿De dónde salieron? ¿Por qué se les acaba la batería? Todas estas dudas nos quedan después de ver la película. Lo peor es que no nos importan las respuestas.

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Django Girls: Dream, Code, Create

No puedo ser objetivo sobre este tema: El evento estuvo buenísimo. Les comenté hace algunas semanas que habría un curso de programación para mujeres en Ensenada, organizado por Django Girls México. Pues sucedió este fin de semana, con 45 asistentes, y un éxito rotundo. Tuve la suerte de ser coach, en parte para ayudar a difundir el software libre, para cerrar un poco la brecha de género en la industria y también para hacer un poco de investigación. Les cuento aquí algunas de mis impresiones y experiencias.

El viernes 22 de mayo se inició con un evento de presentación. Las asistentes mencionaron su interés en aprender Django porque escucharon que es una tecnología nueva que está siendo muy usada. Había un rago de edades bastante amplio, empezando por muchachas de preparatoria y otras mujeres ya con varios años de experiencia laboral. Muchas de diferentes campos: ingeniería, ciencias, psicología, mercadotecnia, comunicación y diseño gráfico. Ese mismo día se instaló el software necesario.


Al día siguiente las asistentes se pusieron a trabajar en un tutorial que les explicó paso a paso cómo crear un blog desde cero usando Django, que es un framework de Python. Muchas asistentes no tenían experiencia previa en programación, por lo que se apoyaban en los coaches cuando se topaban con alguna dificultad o un error, lo cual fue más seguido para algunas personas que para otras. Entre todos nos ayudamos y logramos resolver la mayor parte de las dudas.

Este tipo de eventos surgieron en Europa y fueron traídos a México gracias a Andy Osuna, quien se encontró el tutorial y la iniciativa en Internet y decidió hacerla aquí. Primero en Tijuana, que fue un éxito y ahora repitiendo la misma estrategia en Ensenada. Se apoyó de una asociación civil de jóvenes llamada Hala Ken Telar Juvenil, quienes participaron consiguiendo patrocinio del Consulado Norteamericano en Tijuana. Gracias a estos esfuerzos combinados se pudo dar comida a las asistentes, así como camisetas y tazas. Sin contar que el curso fue totalmente gratuito.


Una foto publicada por Trey Hunner (@treyhunner) el

También contamos con la presencia de Audrey Roy Greenfeld y Daniel Roy Greenfeld, un matrimonio que publicó el libro Two scoops of Django. Ambos son programadores y les encanta la iniciativa Django Girls, tanto así que nos visitaron desde San Diego. Su plática fue principalmente motivacional y nos contaron de todas las aplicaciones que usan Python y la increíble flexibilidad del lenguaje.

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Personalmente quedé sorprendido por la tenacidad de todas las asistentes. Ninguna se dio por vencida y a pesar de las frustraciones y las dificultades continuaron hasta el final. A decir verdad, sólo una terminó todo el tutorial pero fue por problemas técnicos un poco fuera de nuestro control. Fue muy pesado estar más de ocho horas frente a la computadora, escribiendo código y resolviendo problemas. No estoy muy acostumbrado a eso, a decir verdad. Sin embargo, fue una experiencia sumamente gratificante. Supongo que la dinámica del evento busca replicar la sensación de estar en un hackatón.


Entrevisté a algunas de las asistentes al finalizar el taller para una investigación que estoy haciendo. Su respuesta fue entusiasta, incluso si batallaron y fue mucho trabajo. Comentaron que les gustó la estructura más libre. Es decir, que no sólo hay un profesor que tiene todo el conocimiento. Hay una multitud de coaches que se ayudan unos a otros. Además, era un aprendizaje motivado por un interés personal. Todas estaban ahí por que algo particularmente les llamó la atención.

No puedo dejar de enfatizar el poder del software libre. No es sólo un pedazo de tecnología, es un movimiento social. Nadie tuvo que pagar ninguna licencia para ningún programa. No se le vendió nada a nadie. El tutorial es gratis y libremente mejorable por nosotros. Lo mismo con Python, Django e incluso el servicio web utilizado: PythonAnywhere. Todo está ahí, disponible para que nosotros lo utilicemos.


Una foto publicada por Audrey Roy Greenfeld (@pyaudrey) el

Como dije: No puedo evitar ser parcial. Estoy optimista y energizado por el evento. Supongo que era uno de los objetivos. El concentrar el capital social, en acelerar las conexiones, el entusiasmo... Esto ya lo he visto tanto en hackerspaces, hackatones, grupos de usuarios de Linux y reuniones 2600. Lo único que espero es que más eventos como este se hagan en otras partes del país. Sé que muchas solicitantes quedaron fuera, también me gustaría que se repitiera en Ensenada para que todos tuvieran la oportunidad de intentarlo aunque sea una vez.

(La fotografía del principio es de C.M.)

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Estaré en Mares de tinta 2015

Como cada año, ya viene el encuentro de escritores Mares de tinta en Ensenada. Sólo hago esta pequeña publicación para avisar que leeré un breve texto mío en el evento. Me asignaron la mesa del viernes a las 4:50 p. m. El evento será en los jardines de la casa de la cultura. Nos vemos ahí.

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Reseña: Mad Max: Fury road (2015)

Ya no hacen películas como esta. Por pereza o convención, la mayor parte de los directores prefiere que sus películas nos hablen. A los personajes no les para la boca. En ocasiones, parece que vemos una obra de teatro filmada. Las películas de acción no se escapan de este vicio y se dividen claramente en escenas de exposición y escenas de pura acción donde nadie habla pero tampoco sucede nada.

Mad Max no es así: Nos da poca información hablada, y mucha visual. Mucha auditiva. Nos muestra, no nos dice. Y tiene imágenes muy buenas para mostrar. La trama es sencilla: En un mundo post-apocalíptico y aparentemente desértico, un villano de nombre Immortan Joe tiene control de una ciudadela y del flujo de agua. Posee, además, un harén de esclavas sexuales que están hartas de ser tratadas como tales. En un viaje para conseguir combustible, la comandante Imperator Furiosa rapta al harén y en un supuesto viaje para cargar gasolina, desvía el convoy en búsqueda de una mítica “ciudad verde”, donde podrán ser libres. En el camino, se topan con Max, un rebelde y guerrero, que decidirá ayudarlas.

Casi nada de esto se nos dice explícitamente. Lo entendemos gracias al contexto. Vamos descifrando este mundo poco a poco. La acción es imparable e imaginativa. Los escenarios no son totalmente originales, pero nos remiten a lo bueno de películas como Star Wars y El Topo de Jodorowsky. Todo está lleno de creatividad: Los autos, los personajes grotescos, las secuencias de persecución y el guitarrista metalero que toca sobre uno de los camiones. Nunca fue explicado pero fue muy bien entendido por todos.

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El Topo (1972) de Alejandro Jodorowsky.

 

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Star Wars (1977) de George Lucas.

Además, se trata de una película que tiene muy pocos efectos especiales creados por computadora. ¿Cuándo se darán cuenta los directores que, a pesar de todos los años de avances, todavía se miran falsos? Esta película lo sabe y se nota.

Sólo podría quejarme de que la participación de Max es sólo marginal y sin embargo le da título a la película. El verdadero personaje principal es Furiosa. Además, la primera hora de la película es mucho mejor que la segunda, que comienza a caer en situaciones más convencionales.

Cualquier palabra extra que yo escriba es redundante: La película habla por si misma. Normalmente vengo a mi blog a publicar reseñas cuando siento que hay algo que añadir a lo que acabo de ver, pero en esta ocasión sólo quiero recomendarla. Está muy por encima de una simple reseña de un pequeño blog en Internet. Ojalá tenga mucho éxito y se hagan más que sigan los pasos de Mad Max.

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Reseña: The age of Adaline (2015)

Esta es una película triste. No por su trama, personajes o situaciones. Más bien por que es una oportunidad perdida. Detrás de una trama trascendente se oculta una simplona película romántica que te brinca al rostro como un alien y te asfixia antes de que puedas protegerte.

La premisa es simple: Adaline, una mujer joven a principios del siglo XX, sufre un accidente mágico que le impide envejecer. En un principio esto parece una gran ventaja, hasta que la sociedad se rehúsa a aceptar a una mujer de casi cuarenta años que se vea como una veinteañera. Cuando los problemas empiezan, decide huir y cambiar de domicilio, identidad y amistades cada que las cosas se pusieran sospechosas. Su hija empieza a verse más vieja que ella y sus amigos mueren, pero ella sigue igual. Trágicamente, sólo puede seguir mudándose una y otra vez.

Aunque la idea no es muy original, se podría prestar a muchas situaciones y connotaciones profundas. No tiene que ser una gran película, me conformaría con una película interesante que tenga una lectura más sutil. Pondré dos ejemplos muy simples: Groundhog day (1993) con Bill Murray. Una simple comedia que plantea la situación de revivir el mismo día una y otra vez, por toda la eternidad. Su amable exterior disimula una serie de capas de significado que llegan hasta la filosofía. Uno puede leer lo que desee en esa pequeña comedia.

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Igual sucede con Back to the future (1985), donde el punto principal no es el viaje en el tiempo, es una pregunta mucho más universal: ¿Qué sucedería si conociéramos a nuestros padres de nuestra edad? ¿Cómo nos llevaríamos con ellos? ¿Serían como nos contaron? La situación no sólo se presta a la comedia, es un tema con el cual cualquiera puede identificarse.

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Ambas son películas comerciales, sin altas pretensiones artísticas. Sin embargo, nos dan un hueso un poco más duro de roer. No se nos olvidan de camino al estacionamiento del cine. Tan es así que las podemos ver hoy y nos siguen divirtiendo.

The age of Adaline podría haber estado en esta categoría. El simple hecho de que la hija de Adaline se mire anciana a un lado de ella podría prestarse a tantas lecturas. ¿Se imaginan una madre veinteañera cuidando de su hija anciana? Como si fuera un regreso a la infancia, y requiera cuidados de nuevo. Pero la película huye de todos estos temas y cuando encuentra un obstáculo le saca la vuelta. Los momentos más interesantes suceden cuando aparece Harrison Ford, que interpreta al padre del interés romántico de Adaline. Con quien ella, por cierto, tuvo también un romance hace muchos años. Él casi la reconoce, pero le parece imposible que siga tan idéntica. Ella miente y dice que es su propia madre.

Casi tocaban un tema interesantísimo. Casi. Pero como mencioné, la película lo salta olímpicamente, ignorando por completo la situación para aterrizar en refritos manoseados.

¿Qué piensa Adaline? Casi no hay momentos de reflexión en la cinta. Sería tan bueno que ella hablara desde su experiencia de más de un siglo como mujer de la misma edad. Podría hablarnos de cómo ha cambiado la sociedad durante todo el siglo XX. ¿Pueden imaginar semejante privilegio? Después de todo, ella lo ha vivido. Adaline debería ser sabia, muy sabia. Ese podría ser su encanto, no su belleza. Pero no sucede nada de esto: Se enamora repentinamente y recorremos territorio familiar a toda película romántica.

Yo sé que los directores hacen las películas que ellos quieren, no las que yo me imagino. Por eso mi reseña debe tomarse con un ligero excepticismo. Sólo son diatribas tontas de alguien que quiere reflexionar un poco cuando va al cine.

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Cine: Un siglo de Orson Welles

Este mes Orson Welles cumplió cien años de haber nacido. Desde mi punto de vista, es una de las figuras más importantes del cine del siglo XX y una de mis inspiraciones personales. Muchos blogs y sitios web sobre cine le están rindiendo tributo de diversas maneras. Casi todos repiten datos reciclados y manoseados al extremo. Quisiera hacer algo diferente.

Él es responsable de mi película favorita: Touch of evil (1958). Es una cinta excelente, y si no la has visto todavía te invito a que lo hagas. No sólo es innovadora visualmente, también creo que habla de mi tierra natal, Mexicali. Hace algunos años asistí a un congreso de cine fronterizo en Tijuana donde presenté una ponencia. Una de las mesas trataba precisamente sobre Touch of Evil, y fue divertidísimo ver cómo tijuanenses y mexicalenses se pelean la locación de la película. Así de buena es.

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El debate surge porque dentro de la cinta la acción transcurre en la ciudad de "Los Robles", que se encuentra en frontera con California. Alguien argumentaba que como en el fondo se ve un letrero de Jai-Alai, eso debió ser forzosamente Tijuana. Yo argumenté que como la ciudad es plana y los edificios tienen toldos en la acera, debe ser Mexicali. Obviamente no llegamos a nada, pero yo sigo pensando que es Mexicali. En realidad, la cinta fue grabada en Venice, California, pero imagino que Mexicali durante los cincuenta no debió ser tan diferente. Al menos en espíritu.

Touch of Evil es una película incompleta. Orson Welles se fue a realizar otro proyecto antes de que la película estuviera terminada. Las pruebas de audiencia fueron desastrosas y el estudio mutiló la película sin su autorización supuestamente para mejorarla. Afortunadamente en 1998 se pudo hacer una restauración de la visión original de Welles, y podemos ver que la versión original era muy superior.

Pero quisiera hablar hoy de una película que no corrió con la misma suerte: "The Magnificent Ambersons" de 1942. Otra de mis películas favoritas, y en mi opinión, una de las mejores películas que se han hecho. Lamentablemente, esto nunca lo sabremos ya que también fue mutilada. En esta ocasión, los negativos fueron quemados por lo que no hay posibilidad de reconstrucción física.

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Pero podemos imaginar. Leí la novela original de Booth Tarkington, y el mejor libro sobre el tema: "The Magnificent Ambersons: A Reconstruction" de Robert Carringer. Además, escuche la radio-novela que hizo el mismo Welles y tengo una idea bastante aproximada de cómo fue en un principio. Por eso afirmo que fue una de las mejores películas jamás producidas.

Como no vi que nadie hubiera hecho esto, me di la tarea de reconstruir la secuencia inicial de la película. En ella, Orson Welles intenta recrear la atmósfera de la novela mediante imágenes nostálgicas. Además, nos presenta a los personajes, la relación entre ellos y con su ciudad. Aunque no protagonizó la película, si proveyó la voz en off durante la cinta. Presento a continuación la versión modificada por el estudio:

Este inicio queda incomprensible por varios motivos. La intención original de Welles era iniciar con un montaje que mostrara la fachada de una casa durante todo un año. A través de esa imagen ilustraría lo que sus palabras van diciendo. Además, se cortó un segmento significativo de narrativa que deja absurdas las palabras finales de Welles.

Lo que hice para restaurarlo fue reordenar segmentos del video, auxiliándome del guión original y el soundtrack de Bernard Herrmann. Mi versión restaurada quedó así:

¿Notan la diferencia? Es inmensa. En la versión de Welles, se inicia con la vida en un año de la casa, que representa la vida de las familias de clase alta de esa parte de Estados Unidos. Posteriormente pasamos al romance entre Eugene y Isabelle y como él se viste frente al espejo para disculparse con ella. La escena cortada mostraba a Eugene caminando desde su propia casa a la casa de Isabelle saludando a la gente que se encontraba por el camino. Ahí veíamos al resto de las clases sociales de la ciudad. La música todavía hace eco cuando a Eugene le niegan la entrada a la mansión por primera vez.

Todo esto se perdió y tenemos pocas esperanzas de recuperarlo.

Todavía tengo esperanza de que alguien sea lo suficientemente arrojado como para intentar reconstruir la película. Filmando escenas extra o empezando desde cero. Pero que haga un trabajo fiel, no como la horrible versión de Alfonso Arau que supuestamente se basó en el mismo guión pero no dejó nada en su lugar.

Quisiera considerar este breve escrito como una carta de despedida a alguien que no está. Pero que sigue siendo recordado no como lo conocemos superficialmente, si no como realmente fue en su interior.

Espero que esta película no se olvide. Que aprendamos lecciones de este cineasta.

[UPDATE: Acabo de encontrar un artículo de Alonso Ruvalcaba sobre la película. Fue publicado en el blog "En Pantalla" de Letras Libres. Me llamó la atención que usó mi versión editada del inicio para ilustrar su argumento. Pueden encontrar el artículo aquí. Complementa muy bien lo que digo en esta entrada y me dio algo de pereza escribir.]

Referencias

Beckham, J. (2005). Border Policy / Border Cinema: Placing Touch of Evil, The Border, and Traffic in the American Imagination. Journal of Popular Film and Television, 33(3), 18–36.
Carringer, R. L. (1993). The Magnificent Ambersons: A Reconstruction. University of California Press.
Comito, T. (1985). Touch of Evil: Orson Welles, Director. Rutgers University Press.
Leaming, B. (1995). Orson Welles: A Biography. Limelight Editions.
Perkins, V. F. (1999). The Magnificent Ambersons. British Film Institute.
Rosenbaum, Jonathan & Welles, Orson. (1992). Orson Welles’ Memo to Universal: “Touch of Evil”. Film Quarterly, 46(1), 2–11.
Tarkington, B. (2013). The Magnificent Ambersons. CreateSpace Independent Publishing Platform.

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Reseña: 10 PRINT CHR$(205.5+RND(1)); : GOTO 10 (2013)

Los estudios de software son una disciplina muy reciente. Si bien las humanidades y las ciencias sociales han volcado sus intereses hacia múltiples aspectos del ser humano, el software se ha ignorado por varios motivos. Quizá por ser tan reciente. La idea de software como la conocemos hoy surgió durante los años sesenta aproximadamente. Pero el motivo más importante, creo yo, es porque el software se ha considerado históricamente como tecnología, no como cultura.

Este libro de 2013, de nombre inusual pero divertido, intenta argumentar lo contrario. Toma como ejemplo un programa cortísimo. Un programa que difícilmente puede llamarse así. Es más bien un juego o una broma. Una línea de código que le da título, escrito en el lenguaje BASIC de la computadora Commodore 64. A los usuarios de esta máquina, cuando introducían ese código, se les presentaba un laberinto sin fin en sus pantallas.

Los autores del libro se toman todo un capítulo para exponer un aspecto cultural de este programa. Como explica su coordinador, Nick Montfort, intentan retomar la tradición de autores como Roland Barthes en S/Z, donde el teórico francés analiza el cuento Sarrazine de Balzac. También a Stuart Hall, con su historia cultural del Walkman.

Los autores explican temas tan básicos como la historia de los laberintos, remontándose hasta el de Dédalo, que albergaba a Minotauro en la mitología griega. Mencionan también los laberintos utilizados por los conductistas para hacer experimentos con ratas. Pero no sólo se detienen ahí, analizan la aleatoriedad, la historia de BASIC, la historia de la Commodore 64, las series repetitivas en el arte y un largo etcétera. Todo esto está bellamente ilustrado. Realmente fueron exhaustivos para ver este tema desde múltiples lentes. Quizá hasta el exceso, diría yo.

El libro tiene más de 300 páginas, y aunque es un recorrido interesante, creo que es ociosamente detallado en momentos. Es decir, no se requiere tanta historia para comprender una línea de código. ¿Cómo ayuda a nuestra comprensión el que porten ese mismo software al Atari 2600? Como ejercicio es interesantísimo, pero el lector captó el mensaje varios capítulos atrás.

Aún así, este es un libro importante para los estudios de software. ¿Qué tal si alguien trabajara en una historia cultural de UNIX? ¿Cuál es la cosmovisión de los programadores de software libre? ¿Por qué Windows es como es? ¿Qué tipo de políticas se imponen a los usuarios de smartphones? Este libro coloca uno de los primeros ladrillos para construir ese conocimiento.

En México esta es una disciplina prácticamente inexistente, pero se presta para muchos análisis interesantísimos que están todavía por hacerse. La tecnología empieza a crecer en nuestro país, pero las humanidades digitales ni siquiera se han descubierto el ombligo.

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